Asterisk*Project では曲や役柄など、その時々の表現のシチュエーションに応じて、声作りや歌唱の方向性の創出をサポートいたします。また長期にわたる公演の現場でも、「声づくり」と「身体構造」を理解したボディトレーナーが、発声と身体両方からのメンテナンスを実践し、表現者と並走します。

表現者の皆様、演出部の皆様から、声、歌唱における理想をヒアリングした後、レッスンをカスタマイズし、表現・作品にご提案いたしますので、どうぞご希望をお伝えください。

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Asterisk*Projectがご提案する「ボイス・コーディネーター」とは「声づくり」と「身体構造」の双方を理解した声のプロフェッショナルであり、作品をまた違う視点から創造するアーティストでもあります

「ボイス・コーディネーター」は従来のボイストレーナーと、身体の専門家であるボディトレーナーが融合したような存在であり、プロジェクトごとに必要とされる「声」をコーディネート出来るアーティストでもあります。また、現場においては声と身体のメンテナンスの両方を実践し、表現者と並走します。

今、お客様が求めているのは生の歌声やダンスに出会う「体験」です。
躍動する身体性を感じる声や、感情が溢れ出る声を浴び、それに共鳴することを求めています。
つまり単なる巧さを超えた「声の存在」が要求されているのです。

だからこそ、感情と肉体的な声のつながりを身体構造面から理解するプロフェッショナルによる「ボイス・コーディネーター」の存在が、舞台・ライブ・レコーディングなどあらゆる現場で重要となります。

• 歌いながらダンスをする際に、ダンスの振付で使う筋肉に少し違う意識を乗せ声にも有効な倍音の響く筋肉の使い方に変えることができたなら、パフォーマンスは格段に上がります。
  
  
• 身体の意識を少し変えれば、激しいダンスのあとでも息が上がることを抑えながらの歌唱が可能です。
  
  
• ステージの前後で身体のメンテナンスと共に、声に重要な筋肉もケアすることができたなら、声は格段に“持ち”が良くなります。
  
  
• 緊張なども含め身体に負担がある状態で声を使う場合に、あらかじめ身体という楽器が鳴りやすい状態に整えておくことが出来たなら、歌でも演技でも音程・リズム・抑揚が自然につきやすくなる為、より自由度を増した表現をすることが可能となります。
  
  
• メンバーのいるチーム・グループでの歌唱では、ダンスによる音の取り方やダンスの癖の違いもある為、このメソッドに特化した、個々のダンスや歌唱の癖を見抜き、それを把握した上での歌唱の指導を入れることが出来れば、より大きなグルーブ感を生み出すことが可能です。

“身体の軸につながる声”を導くことの出来る「ボイス・コーディネーター」の存在は、舞台・ライブ・レコーディングなどあらゆる現場でのクオリティ向上に重要となるのです。

• 役柄に合った声が役者の身体への負担が大きい、マイクに乗らない
  
  
• 曲に合う歌唱（リズム感・音程の移動）がままならない、音源に埋もれてしまう
  
  
• 怒鳴るなど感情を伴う発声が喉への負担が大きくロングラン公演では潰れてしまう
  
  
• 身体づくりをしてから発声がしにくくなった

これらにも理由があります。

それも１００人の表現者がいたら１００通りの原因と解決方法があります。

これらを解決するには一人一人の声と体の状態を見極め尚且つ作品が求める声をコーディネートする、表現者と演出家・ディレクターの意見を汲みながら一丸となり作品に向かって共に声を作り上げる「ボイスコーディネーター」の存在です。

Asterisk*Project は、長期に渡り身体構造と声に特化し研究開発してきた現場経験の豊富なメンバーから構成されています。

だからこそ、日本語(母語)発声の構造、個人ごとの発声の癖や背景にある繊細な発声の課題、発声のための筋肉のつき方などを理解し、それらをアーティストの身体感覚としっかりつなげていくことからしっかりトレーニングすることが可能となり、そして望む表現のためにそれらを適切に解体・創造しながら、アーティストとプロダクションが表現したいエンターテイメントの目的に合った身体(楽器)づくり、声づくり、歌唱方法をご提案・実現することが可能となるのです。 s

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このような悩みは深刻です。これらは本人の生まれ持った資質、筋力、センス、ささやかと思える小さなイメージや身体の使い方により大きく左右されます。

解決には、本人に合わせてカスタマイズした心身のアプローチが大切です。

出来ない理由は全てのアーティストそれぞれに繊細に違うものなのです。 ダンスを踊りながらでも、意識的に身体の使い方を歌の為に使う事で、踊っているのに高音が伸びたり、 低音を安定させたりする事も出来るのです。

Asterisk*Projectでは声と身体に特化した現場経験と実績のある講師が、表現者それぞれの出来ない理由を探り、表現者一人一人にカスタマイズしたオリジナルメソッドで、表現者の理想を叶える方法を見つけます。

まずはトレーナーがアーティストの生まれ持った楽器を確認します。 そして発声の癖や筋肉の状態と実際の身体の使い方をチェックします。 そこからどんな歌をどのように歌いたいのか、何に悩んでいるのか、ディレクターや演出家からどう言われるのかなどをヒアリングし、状況に合わせたレッスンをカスタマイズします。

現在、世界にはたくさんのメソッドがありますがAsterisk*Projectでは、楽器（身体全体）を呼吸と筋肉でコントロールするメソッドです。発声はすべて、身体をしっかり感じ、身体に意識を向け、歌うための身体を鍛えながらレッスンしますので筋トレやストレッチの要素も多く含みます。発声に身体という味方をつけることにより、余すことなく自分に意識を配り、熱を放出する事が出来るので、喉や声帯だけに頼らないエネルギッシュな発声と表現が身につきます。

また本番でのトラブルでもアーティスト自身が自らの声のメンテナンスも出来るようにアドバイスします。

＜声と身体は連動している＞という意識が結びつくと、アーティストの声に存在感が生まれステージのクオリティが一気に上がる例も多く見てきています。
○レコーディング・LIVE・歌唱の現場にて、ディレクター・演出家とアーティストの間に入り製作陣が求める歌い方・声質・感情に適う身体的なアプローチをアーティストと確認し、作品をより理想へ近づける声のアプローチもご提案します。

Asterisk*Projectのトレーナーは声や芸術を深く学んでいる講師陣で構成されています。

○作品の歌唱指導の先生が、現場のボーカルの先生がこう言ってくださるのですがうまく表現できないなどのお悩みの解決をご提案するプラスアルファレッスンもお受けします。
→音楽の語彙を精査してその作品と先生の求める声や歌を適えられるようにアイデアと心身アプローチにより一緒に解決を模索しますのでご安心ください。

○声楽、ボーカル、ボイストレーナーの先生について学んでいる皆様も、Asterisk*Projectでは学びを尊重いたします。Asterisk*Projectではずっと学んでいらっしゃる先生のメソッドを理解し、相乗効果となるレッスンを提供します。他でレッスンしていらっしゃる方もどうぞお気軽にいらしてください。

Asterisk*Projectでは一人一人の望む、その方に合わせた声づくりをサポートします。
現場でよく言われている問題についてお話しします

○日本語で歌うと歌いにくい……？日本語で西洋音階の歌が歌いにくい……？
「日本語で歌うと歌いにくい」「英語だと歌いやすい」などは、現場にて長く語られてきました。それらを「仕方のないこと」とせずに、もっと洗練された歌唱に挑戦することができます。

「日本語で歌うと歌いにくい」なぜそう言われるのか。理由は様々ではありますが、Asterisk*Projectでは以下の３点が現在大きく悩ましい問題の原因になっていると考えます。

１. 発声のポジションの違和感
言葉にはそれぞれその言語特有のポジション（言語特有の筋肉の使い方・共鳴腔の使い方）があり、その言語を日常的に使用することにより、身体にはその言語に特化した筋肉が発達します。

音楽はその国の固有の言語感・身体性に基づき生まれ育まれ、今へと継承されています。その為、その構造に他言語をもって作品とするには、言語・その音が生まれた背景や身体的な構造を理解し、目指すべき響きに適うアプローチをしないと、声の響きが足りないことによる曲としての成熟度が低くなり、作品としての物足りなさを感じることになります。自身の言語から成る筋肉や共鳴腔の在り方を自覚し、自らの求める表現に必要で的確なトレーニングをしないと、いつまでも自身の求める表現に届かないという悩みを抱き続けることになるのです。

○日本語の発話ポジションで西洋音階の曲を歌う際、倍音が鳴る共鳴腔の使い方への理解が低い為、声の響きに違和感が生まれる→声に響きが足りない為、音が繋がらない、言葉の一文字ごとに途切れた印象となり、音楽として成熟度が低く感じさせ音楽的に未完成感が印象として残る。

２. 日本語で作るリズム・グルーブ感の難しさ
一文字ずつに母音をもつ母音で構成された日本語による歌唱では、往々にして語感や子音によるリズムが出しづらく、西洋音階の楽曲の中で生まれる一体感、盛り上がり感に欠けてしまうという問題点があります。

○日本語は一文字ずつに母音をもつ為、リズムが出しづらく、西洋音階の楽曲の中で生まれる一体感、盛り上がり感に欠けてしまう→日本語は一文字ずつ子音に母音がセットされている為、言葉や音の立ち上がりが遅くなり、楽曲のスピード感についていけずグルーブ感が出しにくい。その為、曲としての盛り上がりに欠けてしまう。

３. マイクを使った歌唱・最新の機器に適う歌唱法の認知度の低さ
現場では、コンサートやLIVEでも、同期音源を使用した伴奏による歌唱や、打ち込み音源を使用した伴奏をマイクに通して歌唱することが主流です。アコースティック・アンプラグドの演奏でマイクを通さずホールで歌唱する発声と、ステージや番組でマイクを使用して歌唱する発声は違います。

○LIVE会場や歌番組で声が前に出ない。声がオケに沈んでしまう→長く主流だったボイストレーニング方法は、ホールでの生声による歌唱から派生したテクニックも多く、マイクに乗ることを前提としたエンターテイメント表現の際に、声がオケに沈んでしまう、スピーカーからの声がくぐもってしまうという現象が起きます。進化を続ける最新の音響設備と、発声・歌唱方法を常に研究していくことが重要です。

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Asterisk*projectでは、生まれついた体格、その国特有の母語の発話で形成されている発声発音のための筋肉が存在を理解し、また日々進化する機材や音色に対応できる音色・音質にのせて声を表現することの重要性に着目し、マイクを使うパフォーマンスに必要な身体作り、身体の使い方、それを確実にコントロールできるテクニックを大切にします。またアーティストの体質・個性・目指すものについて、しっかりとヒアリンクし、繊細で微細なオーダーメイドトレーニングのご提案をします。

このダンス＆ボーカルに特化したボーカルメソッドにつきましては、今後もより研究と進化を重ね、どんな振付であっても、どんな衣装であっても、どんな表情（感情）であっても、芸術表現のための歌としてブレない歌唱発声方法の開発を続けます。このテクニックこそが、この文化をより発展させ続けるキーワードだと考え、今後とも関係各所と連携をとりながら研究を続け進化して参ります。

ダンス&ボーカルどちらのクオリティを高くも成立させることのできるアーティストはとても希少な存在です。ダンス&ボーカルを表現するアイドルも、実力を試される場が多く今や文化を超え揺るぎないひとつのエンターテイメントとして世界に大きく声を上げ始め始めました。

数年前まではダンスを激しく踊るなら、いわゆる口パクといわれるものや、かぶせ（プレスコ）が主流でありましたが、近年は殆どの現場にて生歌への需要が高く、その価値の大きさが再注目されています。Asterisk*Projectでは、ダンス&ボーカルのボーカルテクニックにつきまして2012年よりその重要性について特化した研究をして参りました。

歌だけでは出来るものが、振付がついた時に、表情で表現した時に、また殺陣がついた時に、衣装を着た時に、芝居の感情がついた時に、マイクを通した時に、オケ（録音音源）と一緒に会場やスタジオで歌唱した時に、一気に歌唱が不安定になってしまう。

これらの現場での悩みを多く聞き、それらの中でより全てのクオリティを上げていくにはどうしたら良いのかを現場の一人一人から丁寧にヒアリングをし、試行錯誤と実践を重ねて参りました。

ダンス&ボーカルに関しましては、現状のダンス&ボーカルのクオリティをここから本気で何段も上げて行く為に1番の方法は、ダンス&ボーカルを《アーティスト》《振付家》《ダンスに特化したボーカルコーディネーター》が一丸となり作品を作ることだと確信しております。それはアーティストと振付家とボーカルコーディネーターが同じ空間で、その楽曲について、その振付で、そのリズムや音域を出せる発声歌唱方法についてディスカッションをしながらする作品づくりです。

ですが、それが現在この現実的な時間や予算という構造の中で難しいことであることも理解しております。もしその最善が不可能である場合は《振付》が終わった後に、振りを踊りながら歌うボーカルレッスンでダンス＆ボーカル双方のクオリティを高めていく事も可能です。（また新しい方法を、アーティストの個性に合わせカスタマイズすることも可能です。）

特にメンバーのいるチーム・グループでの歌唱ではダンスによる音の取り方やダンスの癖の違いもある為、このメソッドに特化したボーカルコーディネーターの役割はとても大きく、この稽古するだけで一段も二段も全体のクオリティを上げることが出来ます。

現在《ダンス&ボーカル》のレッスンは、ダンスと歌を切り離してそれそれをそれぞれの専門家によって制作・レッスンする事が主流です。この先の時代に本気でダンスのクオリティと同時に生歌のクオリティを上げていくには、ダンス&ボーカルの実力を上げていくには、繰り返しますが、アーティスト・振付家・そこに特化したボーカルトレーナー達が同じチームとして同じ目的に向けてひとつの作品の完成度を上げることだと考えます。

歌う為の楽器づくり、歌って踊る為の楽器とそのコントロール方法は、これから先のエンターテイメントの未来を変えるものになると確信します。

A ダンス&ボーカルに特化したボーカルメソッドにつきまして
B 日本語ミュージカルの為に特化したボーカルメソッドにしきまして
C 歌いながら踊る/殺陣をする/芝居をすることに特化したボーカルメソッドにつきまして
何でもご相談、お問い合わせください。

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作品へのダンス&ボーカル指導・ボーカル指導・振付
デビュー前レッスン生へのダンス&ボーカルに特化したレッスン

アーテストのコンセプト楽曲に合わせた振付・ダンスレッスン(個人・グループ)
アーティストへの楽曲・ツアーコンセプトに合った振付家/ダンサーの紹介(オーディションの実践)
アーティストへの振付・ステージングプロデュース

2.5 次元俳優・声優・声優アーティストへのキャラクターソングの歌唱コーチング

アナウンサー・俳優・アーティストへのナレーション・アニメ・外国映画吹き替えの為の発声
声の表現・演技のテクニカルなコーチング

唯一無二の特出した鋭い感性と身体と声への飽くなき探究心と確実な努力にて研究を重ね、声と身体の開発による、生理的且つ合理的な身体のオリジナルのアプローチを実践。アーティストの声を望むように導き、多くの現場からの信頼を得ている類い稀な発想力と才能を持つVoice&Vocal Producer。

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経　歴

1997年3月	国立音楽大学音楽学部声楽学科卒業
1998年8月より	イタリアベルーノ短期留学 留学中、指揮者レナート・パルンボ氏に師事 ベッルーノ主催オペラガラコンサートに出演 帰国後、リリカイタリアーナ主催オペラ「愛の妙薬」「椿姫」、ほかミュージカル等にも出演
2000年6月〜2006年5月	株式会社キティ専属ボイストレーナーとして新人アーティストのボイストレーニングを委託される。
2006年10月	坂本龍一氏、越智竜太氏、三宅澄二氏、柳田豚二氏、中城敏氏らにより立ち上げられた LLP10度とボイストレーナーとしてエージェント契約 avex コモンズ所属のアーティスト中心にボイストレーニングを続ける傍ら スタジオコーラスなどにも参加
2009年 5 月	つばさエンターテイメントとマネジメント契約結ぶと共に、同ミュージックスクールにて ボーカルレッスンを担当
2010年 5 月	つばさエンターテイメントより3ヶ月集中レッスンカリキュラム「ボイトレ革命 KANNA 式」を出版
2011年4月	全音出版より「めざせ歌姫 ハイトーン自由自在」を出版。 ボイトレ本ランキングで1位を取得話題になる
2012年 10 月	つばさエンターテイメントから独立
2013年 10 月〜	BOX VOCAL ACCADEMIA / KANNA 式スクールを設立 代表就任。 現在精力的にワークショップやプロアーティストの現場指導、レッスン生の育成に力を注ぐ。

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主な実績 (順不同) ダンス＆ボーカルのクオリティ向上の可能性についてダンスや殺陣の振付と歌唱について特化したアプローチを2012年より研究を続け現在も現場毎に研究進化を続ける現場型コーチ。アーテースト/役者/演出家/プロデューサーの意図を汲みながらも、別の角度からより高みへと独創的なアプローチで適えるユーモア溢れるVoice&Vocal Coordinator。

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幼少期より人やもの、エンターテイメントについて思索研究を続け、独自の着想と発想にて新しい視座から提案を得意とする企画家。魅力や価値についてのヒアリングから導く問題解決のための糸口や、根本的問題な問題の発見や解決力に信頼が厚く多方面の現場からの相談役としても現場実績は多い。歌とダンスの可能性をクオリティ向上のために日々思索追求を重ねているAsterisk*ProjectのProducer。

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ダンス＆ボーカルの実践を試みる本プロジェクトの体験/実験型コーディネイター ＜生で歌って踊るパフォーマンス＞に２０２３年より挑戦しダンス＆ボーカルとして双方のクオリティの上昇を目指す。ダンサーとしての身体の使い方に、新たにダンスと共に歌を歌うという新しいスキルをリアルに学びながら、ダンサーとしてのリズムやリアルな解釈を繋ぎ、本プロジェクトの現場のアシストと、自身のダンス＆ボーカルのスキル取得に挑戦しながら、ダンサーとボーカルコーディネイターと繋ぐ役割を果たす。

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